Jardín, la banda formoseña independiente, lanzará Recién ha empezado su primer trabajo discográfico el 27 de julio en plataformas digitales (Spotify, YouTube Music). Se trata de propuesta orgánica que amalgama rock, folk e introspección, con letras que abrazan la resiliencia, la emergencia ambiental y los ciclos de la vida.Karen Cantero (@keici.4 – voz, tecla, guitarra), Francisco Palacios (@francisco_j_palacios, guitarra y voz), Juan Ramiro Micieli (@juanra1987, bajo y voz) y Juan Simón Larroza (@simonlarroza, batería) entienden la creación musical no como un producto en serie, sino como un organismo vivo donde las canciones crecen, se ramifican y buscan la luz. Nacida de la confluencia de músicos con trayectorias y matices heterogéneos, la identidad de Jardín se desplaza con soltura entre el rock, el folk y climas atmosféricos, eludiendo encasillamientos rígidos. Su sonido también combina melodías envolventes con picos de intensidad eléctrica y pasajes introspectivos, siempre poniendo la instrumentación al servicio de la emoción y el diálogo genuino con el oyente.Recién ha empezado reúne 8 composiciones propias, concebidas desde una dinámica de taller colectivo. Cada obra propone un microcosmos particular donde conviven la crudeza cotidiana, la belleza de lo sutil y una mirada honesta sobre el tiempo que nos toca habitar. “Las letras recorren temáticas que dialogan de frente con el presente: desde la preocupación por la crisis socioambiental y el cuidado de la naturaleza, hasta las contradicciones del día a día. Pero también hay una apuesta fuerte por la resiliencia, la esperanza y la convicción de que siempre es posible comenzar de nuevo”, dicen los integrantes de la banda.El entramado entre el nombre de la banda y la poética de este primer material no es casual. Así como un jardín requiere paciencia, diversidad de especies y un cuidado constante para florecer, el disco actúa como la fotografía de un proyecto en plena germinación. En tiempos de consumo fugaz, la apuesta de Jardín pasa por la profundidad sensible y el compromiso con el entorno. Cada canción funciona como una semilla arrojada al viento, con la intención de echar raíces en quien se disponga a escuchar hacia adentro.“Recién ha empezado no es solo el título del disco, es nuestra declaración de principios, es el hito inicial de un recorrido que recién arranca y la certeza de que lo mejor aún está por venir”, sintetiza la banda que busca consolidar una huella singular dentro del circuito emergente del NEA, aportando aire fresco, lirismo reflexivo y un sonido con fuerte arraigo territorial y universal a la vez.

El universo de las artes visuales de Formosa crece, se diversifica y explora nuevos lenguajes. Conviven la pintura, la escultura, el grabado y la fotografía con el muralismo, el arte digital, el videoarte, las performances y múltiples propuestas interdisciplinarias que encuentran en las nuevas tecnologías otras formas de creación. Sin embargo, ese escenario dinámico todavía carece de una radiografía precisa que permita conocer cuántos artistas producen en la provincia, dónde desarrollan su trabajo, cuáles son sus condiciones materiales, cuáles son los principales desafíos que enfrentan y qué tan lejos están sus obras de los circuitos de exhibición.Con esa premisa nació el Registro Provincial de Artistas Visuales, impulsado por la Subsecretaría de Cultura de Formosa, una plataforma virtual, libre y gratuita que busca construir información de primera mano para transformar el diagnóstico en políticas públicas concretas a partir de conocer quiénes producen, dónde trabajan y cuáles son las condiciones reales del sector. El coordinador del área de Artes Visuales, Pablo Vacazur, sostiene que el objetivo es transformar ese diagnóstico en políticas públicas de largo plazo, fortalecer la circulación de obras y proyectar a los artistas de Formosa hacia nuevos escenarios nacionales e internacionales.“El sector de las artes visuales en Formosa es inmenso y talentoso, pero estaba disperso. El Estado necesita dejar de gestionar a tientas y contar con un mapa real que permita optimizar los recursos”, explica Vacazur, al dialogar con Día Seis Cultura. El principal objetivo del registro es generar el primer diagnóstico integral del campo de las artes visuales de la provincia y “transformar este relevamiento en el cimiento técnico para diseñar políticas públicas de fomento eficientes y con un carácter estrictamente federal”.La convocatoria está abierta a hacedores de capital y de cada rincón del interior e incluye un amplio abanico de disciplinas: pintura, escultura, dibujo, grabado, muralismo, fotografía, realizaciones audiovisuales, videoarte, arte digital y performances. La inclusión de lenguajes contemporáneos no es un detalle menor en el formulario: responde a un cambio de paradigma en la propia producción local. “El concepto de artes visuales mutó -reflexiona Vacazur- no podíamos dejar afuera las nuevas tecnologías ni los cruces interdisciplinarios que las nuevas generaciones de artistas formoseños eligen para expresarse”.Para la gestión provincial, asumir esa heterogeneidad implica derribar viejos moldes y garantizar que el arte digital o el videoarte tengan el mismo peso institucional y los mismos espacios de exhibición (pantallas, proyectores, entornos virtuales) que las disciplinas tradicionales, porque el arte digital ya no es el futuro: “El arte digital y audiovisual formoseño tiene una identidad propia y queremos garantizarle espacios de exhibición acordes a sus necesidades técnicas”.Descubrir el perfil invisible Uno de los aspectos más novedosos del Registro es que no se limita a contabilizar artistas. Apunta directo al corazón de las condiciones de vida y de trabajo del artista: ¿cuántos viven exclusivamente de su obra?, ¿cuántos sostienen la creación desde la docencia?, ¿cuál es su situación fiscal?, ¿trabajan en un taller equipado o en la mesa de la cocina? ¿cuáles son las mayores dificultades para producir y exhibir sus obras?. “Esperamos descubrir el perfil invisible del sector. Queremos saber cuántos artistas viven de su obra, cuántos docentes-artistas tenemos y, sobre todo, identificar talentos del interior que hoy no están en el radar de las salas de exposición céntricas”, sostiene Vacazur.Reconocer las condiciones materiales es el paso previo para asignar presupuesto con justicia distributiva. “La creación artística  -dice Vacazur- requiere espacio, tiempo e insumos. Si no sabemos si un artista trabaja incómodo en la mesa de su cocina o si tiene un taller propio, no podemos planificar subsidios de infraestructura o compras de materiales eficaces”. El relevamiento permitirá definir prioridades presupuestarias y evaluar qué herramientas necesita el sector: talleres compartidos, programas de compra de materiales, subsidios específicos, espacios de producción o capacitaciones vinculadas con la conservación, la logística y la circulación de obras. En otras palabras, la información estadística deja de ser un dato administrativo para convertirse en el punto de partida de una política cultural basada en evidencia, puesto que si bien Formosa atraviesa un momento de intensa producción artística, persisten fuertes desigualdades entre la capital y el interior. “La ebullición creativa existe, pero también hay asimetrías en materia de conectividad y circulación”, afirma Vacazur y señala que para los artistas el principal desafío es la sustentabilidad económica y la inserción en mercados estables de arte, a lo que se le suma el alto costo de los insumos específicos (que muchas veces deben traerse de otras provincias) y las dificultades logísticas para trasladar obras de gran formato hacia los centros de consumo cultural del país: “Es necesario diseñar políticas públicas que apunten a la profesionalización de los artistas, como también traer a discusión proyectos como el monotributo simplificado para artistas visuales.Del diagnósticoa la acciónUna vez consolidada la base de datos, la Subsecretaría proyecta una serie de acciones concretas. Entre las primeras iniciativas figura la creación de un Catálogo Digital de Artistas Formoseños, pensado como una herramienta de promoción para facilitar el contacto con galerías, instituciones y potenciales compradores del mercado regional y nacional.A mediano plazo también se proyecta la conformación de un circuito provincial de exposiciones itinerantes para que las obras circulen por distintos municipios del interior, acompañado por clínicas de formación en curaduría, conservación y gestión de proyectos, de acuerdo con las demandas que surjan del propio relevamiento. La lógica, explica Vacazur, es sencilla: escuchar primero al sector y diseñar después las respuestas.Pero la proyección no se agota en las fronteras provinciales. La base de datos se presentará ante el Consejo Federal de Cultura para propiciar intercambios y potenciar la presencia formoseña en bienales y ferias como arteBA. En ese sentido, Vacazur adelantó un anuncio clave: ya existen conversaciones con la Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTREF) para postular a Formosa como sede de la edición 2027 de BIENALSUR, la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo del Sur. La apuesta, en definitiva, trasciende el registro en sí mismo: busca integrar a Formosa en una red federal de circulación y exhibición de obras, fortaleciendo los vínculos con otras provincias y con escenarios internacionales.Tu obra cuentaSabido es que el sector cultural suele mirar con distancia las convocatorias institucionales, muchas veces percibidas como burocracia sin retorno. Frente a esto, el mensaje de Vacazur es directo y cercano: “Entiendo el escepticismo, pero este registro es exactamente lo contrario a la burocracia: es una herramienta de escucha activa. No les estamos pidiendo papeles engorrosos ni trámites presenciales; les estamos pidiendo 5 minutos de su tiempo para que nos digan qué necesitan. Si el artista no aparece en el mapa, es imposible diseñar una política pública que lo proteja o lo impulse. Su ausencia nos quita herramientas para defender al sector”.La convocatoria está abierta para artistas visuales de toda la provincia y constituye el primer paso de una estrategia que pretende construir políticas culturales desde el conocimiento del territorio y de quienes lo habitan.Porque, como resume el propio coordinador del Área de Artes Visuales: “Tu obra cuenta y tu registro es el puente para que el arte formoseño crezca con fuerza, federalismo y oportunidades reales para todos”.INSCRIBITE: https://forms.gle/qg18Gm3wL7CuZM9T7 

El pulso de un pueblo no solo se mide en sus pasos hacia el futuro, sino en la tozudez con la que decide habitar y proteger su pasado. El Museo Histórico y Regional Juan Pablo Duffard acaba de celebrar su 63° aniversario, una fecha que trasciende la mera efeméride del calendario institucional para consolidarse como el hito del guardián absoluto de nuestra memoria, nuestra identidad y el complejo entramado del acervo cultural formoseño.Ubicada allí donde la ciudad parece dialogar con el paisaje, la imponente casona de techos altos, amplias galerías y mirador central es mucho más que un contenedor de objetos preciosos. El edificio en sí mismo constituye el documento histórico más grande y tangible que posee nuestra capital; un rincón habitado por una mística particular, donde la arquitectura colonial se levanta como un puente indispensable entre aquel pasado territoriano y éste presente que se proyecta de cara al río.Entender el valor del museo exige recorrer una línea de tiempo donde el resguardo de lo propio fue siempre una conquista colectiva e institucional. La historia misma de su sede es el reflejo de la evolución provincial:-1888: La edificación. Nace como residencia del general Ignacio Fotheringham, primer gobernador del Territorio Nacional de Formosa, convirtiéndose desde el origen en epicentro del poder político y la vida social originaria. Es la pieza más valiosa del Museo.-1953: El estandarte nacional. Mucho antes de abrir sus puertas como museo, la casona fue declarada el primer Monumento Histórico Nacional de la provincia. El reconocimiento llegó bajo el Decreto Nacional Nº 10.852/53, rubricado por el presidente Juan Domingo Perón, blindando el espacio contra el olvido.-24 de junio de 1963: la semilla fundacional. Se crea formalmente la institución del Museo Histórico y Regional, abriendo un espacio sistemático para la preservación.-1981: Sede definitiva. Tras haber funcionado durante casi un siglo como Casa de Gobierno, el Decreto Provincial Nº 343/81 destina el edificio de manera exclusiva a las funciones museológicas.-1988: Un nombre con espíritu de pionero: A través del Decreto Nº 616/88, el Gobierno provincial le impone el nombre de Juan Pablo Duffard. Un acto de justicia para homenajear a aquel joven que acompañó al comandante Luis Jorge Fontana en la fundación y que, movido por un profundo y temprano espíritu conservacionista, se encargó de rescatar y acopiar los primeros objetos y documentos de la naciente Villa Formosa.Actualmente, se realiza una tarea exhaustiva para un inventario completo de sus bienes. Se estima que el patrimonio total del Museo oscila entre los 4.000 y 5.000 objetos. Este universo patrimonial respira en gran medida en el altillo de la casona, espacio reservado para el depósito técnico y la sala de restauración. Allí, lejos de la exposición permanente, cientos de piezas esperan el tratamiento de manos expertas que detienen el deterioro del tiempo, garantizando que las futuras generaciones de formoseños puedan seguir mirándose en el espejo de su propia historia.

La historia oficial suele ser un desierto de bronce: fechas rígidas, nombres solemnes grabados en placas de mármol y un relato lineal donde todo parece haber sucedido de manera idílica y previsible. Sin embargo, el nacimiento de Formosa como provincia, consagrado aquel 28 de junio de 1955, dista mucho de ser un trámite burocrático otorgado por la benevolencia del centralismo porteño. Detrás de la Ley 14.408 existió una trama de sincronía política, puentes tendidos en las sombras, debates económicos solapados y una poética de la tierra que explica, mejor que cualquier manual, por qué dejamos de ser un territorio tutelado para empezar a moldear nuestro propio destino.La miel de la tierraEn sus testimonios tardíos, cuando los años le daban la perspectiva del camino recorrido, Vicente Arcadio Salemi solía recurrir a una analogía zoológica para ilustrar el hartazgo formoseño ante las décadas de gobernadores designados a dedo desde el puerto:“La abeja y la avispa liban de la misma flor, pero producen distinta miel”. La metáfora es de una agudeza política implacable. Para el Tata Salemi, los funcionarios enviados por el poder central miraban el mismo paisaje, cruzaban las mismas calles polvorientas de la Villa y caminaban bajo el mismo sol abrasador del Norte; sin embargo, “su miel” —sus intereses de carrera, sus lealtades porteñas y su sensibilidad— era ajena. Formosa necesitaba que su destino fuera moldeado por las abejas que pisaban, sufrían y amaban su propio barro, no por avispas de paso que solo succionaban la savia del territorio para luego emigrar.La provincialización expresaba precisamente ese anhelo: que las decisiones sobre el futuro de Formosa fueran tomadas por hombres y mujeres vinculados a su realidad cotidiana, conocedores de sus necesidades y comprometidos con sus posibilidades. La metáfora de la miel condensaba una aspiración histórica: dejar de ser un territorio administrado para convertirse en una comunidad capaz de gobernarse a sí misma.

El formoseñodetrás de la puertaLa imagen más difundida de la provincialización muestra a la delegación de vecinos formoseños viajando a Buenos Aires para presentar el reclamo ante el presidente Juan Domingo Perón. Pero en la política real de los años 50, llegar al despacho de Perón requería algo más que buenas intenciones y un pliego de firmas; hacía falta un infiltrado en los pasillos del poder.Esa pieza clave en el engranaje del Estado nacional fue un formoseño cuya labor quedó sepultada bajo el polvo del olvido: el teniente Martín Martínez. En los meses previos a la histórica audiencia, Martínez ocupaba un cargo estratégico en la botonera de la Capital: la de subsecretario de Asuntos Políticos del Interior.Fue él quien actuó como el nexo secreto, la mano silenciosa que movió los expedientes correctos y aceitó los mecanismos de la rígida agenda presidencial en una Buenos Aires que ya respiraba un aire espeso y conspirativo. Sin el teniente Martínez operando desde las entrañas del monstruo burocrático, la delegación de los 93 probablemente se habría diluido en las antesalas ministeriales. Su nombre rara vez ocupa los primeros planos. Sin embargo, su presencia permite comprender que las grandes transformaciones suelen requerir tanto la movilización popular como la existencia de puentes capaces de conectar las aspiraciones locales con los centros donde se toman las decisiones. Mientras los vecinos reunían voluntades en Formosa, otros formoseños ayudaban a abrir puertas en Buenos Aires.La construcciónde un destinoSetenta y un años después, la provincialización sigue siendo uno de los acontecimientos fundacionales más importantes de la historia formoseña. Pero tal vez su mayor enseñanza no resida en el texto de una ley ni en la firma estampada en un decreto. Está en la capacidad de una comunidad para imaginar un futuro distinto y trabajar colectivamente para alcanzarlo. Las firmas reunidas por los vecinos, las gestiones realizadas en Buenos Aires, las discusiones, los temores y las esperanzas formaron parte de una misma construcción histórica. Por eso, cuando se observa la provincialización desde sus detalles menos conocidos, la historia deja de parecer una sucesión de actos administrativos y recupera su dimensión humana.Formosa no nació provincia por accidente. Nació porque una generación decidió que había llegado el momento de producir su propia miel, administrar su propio panal y asumir la responsabilidad de escribir, con letra propia, las páginas de su destino.Una provincia nacida en medio de la tormentaHay un detalle que suele perderse cuando se recuerda aquel 28 de junio de 1955.La provincia nació en uno de los momentos más dramáticos de la historia argentina contemporánea. Apenas doce días antes, el 16 de junio, la Plaza de Mayo había sido escenario de un bombardeo que dejó centenares de víctimas civiles y profundizó una crisis política que ya amenazaba con fracturar al país. El clima institucional era de extrema tensión. El gobierno de Perón atravesaba sus últimos meses y el desenlace que llegaría en septiembre comenzaba a insinuarse en cada rincón de la vida pública. En ese contexto de incertidumbre, la sanción y promulgación de la Ley 14.408 adquiere una dimensión singular.Mientras la Argentina ingresaba en uno de sus períodos más turbulentos, Formosa lograba concretar una aspiración largamente postergada. La provincia nació literalmente en medio de la tormenta, en una ventana histórica que pocos meses después habría resultado imposible. La coincidencia temporal convierte a la provincialización en algo más que una reforma administrativa: la transforma en uno de los últimos grandes actos institucionales de una etapa política que estaba llegando a su fin.Los temores de la autonomíaLa corriente revisionista de nuestra propia historia regional devela que la provincialización no fue unánimemente celebrada en los primeros momentos por todos los sectores de la sociedad formoseña. Existió una resistencia silenciosa, un murmullo de desconfianza concentrado en ciertos sectores de la burguesía comercial de la época y en algunas familias tradicionales del antiguo Territorio Nacional. ¿El motivo? Un profundo temor económico. Durante décadas, al ser un Territorio dependiente de la Nación, Formosa recibía partidas presupuestarias directas y subsidios específicos que sostenían ciertas estructuras locales sin la necesidad de generar una matriz impositiva propia.La pregunta que desvelaba a los escépticos de la época era pragmática y temerosa: ¿Estaba un territorio tan postergado y con tan escasa infraestructura preparado para autosustentarse? Se temía que la autonomía deviniera en una asfixia fiscal para los comercios locales y que los nuevos impuestos provinciales licuaran las ganancias del sector privado. La provincialización, por ende, no solo requirió convencer a Buenos Aires; implicó también vencer los miedos endógenos de quienes preferían la seguridad de la tutela colonial antes que la incertidumbre de la libertad política. El paso hacia la provincialización implicaba abandonar una condición conocida para aventurarse en una experiencia inédita.La libertad institucional también exige asumir riesgos.El nacimiento de la provincia de Formosa se revela entonces como un milagro de sincronización política al borde del abismo:Abril de 1955: los vecinos viajan y obtienen la promesa de Perón.16 de junio de 1955: aviones de la Marina bombardean la Plaza de Mayo, dejando un tendal de cientos de muertos civiles en un intento sangriento de golpe de Estado. El país ingresa formalmente en una atmósfera de preguerra civil.28 de junio de 1955: apenas doce días después del bombardeo, con las fachadas de los edificios gubernamentales todavía astilladas por las esquirlas y el humo de la crisis política flotando sobre Buenos Aires, Perón firma la promulgación de la Ley 14.408.Ese es el gran contraste: mientras el mapa nacional crujía y las bases del gobierno peronista se desmoronaban antes de su caída definitiva en septiembre, Formosa lograba arrancar su ansiada autonomía. La provincia nació literalmente en el ojo del huracán, aprovechando la última ventana de tiempo institucional antes de que el país se sumergiera en la larga noche de las dictaduras.

En tiempos donde casi todo tiene precio, una propuesta presentada en la Feria de Arte Contemporáneo de Corrientes (ARTECO 2026) invitó a pensar otras formas de circulación artística. Allí, entre galerías, coleccionistas y nuevas producciones visuales del Nordeste argentino, el investigador Ronald Isler y la artista formoseña Gloria Polo instalaron una experiencia basada en el intercambio, el encuentro y la construcción de valor desde lo simbólico.Bajo el nombre Casa(s) de (inter)cambio(s), la propuesta ocupó el Stand 13 de la feria y recreó el estar de una vivienda para convertirlo en un espacio de negociación cultural. La premisa era sencilla pero potente: intercambiar obras de arte por otras producciones artísticas de valor equivalente, generando un circuito alternativo al mercado tradicional.La iniciativa fue impulsada por Ronald Isler, integrante del Núcleo de Estudios y Documentación de la Imagen (NEDIM), junto a Gloria Polo, una de las artistas visuales más reconocidas de Formosa. Más que una muestra, se trató de una acción performática que buscó abrir preguntas sobre el coleccionismo, las formas de circulación patrimonial y los vínculos que se tejen alrededor de las obras.La historia del proyecto comenzó un año antes, durante la feria A362 de 2025. En aquel encuentro, Isler adquirió el textil Niña Gorriarena del monte con relicarios de flores, de Polo, a cambio de una obra del pintor Meny Bergel. Ese gesto inicial se convirtió en el punto de partida para imaginar una experiencia más amplia, capaz de involucrar al público y convertir el intercambio en una práctica colectiva.Durante ArteCo 2026, los visitantes no solo observaron obras: también participaron de conversaciones sobre el valor cultural, afectivo y patrimonial de las producciones artísticas. El espacio funcionó como una suerte de sala de estar abierta, donde el arte dejó de ser únicamente un objeto de exhibición para convertirse en motivo de encuentro.La propuesta tuvo una destacada repercusión dentro y fuera de la feria. Fue señalada por diarios nacionales entre las experiencias más significativas del evento y recibió coberturas especiales en medios correntinos, consolidándose como una de las intervenciones más originales de esta octava edición de ArteCo.Con el cierre de la feria, el proyecto no quedó archivado. Sus impulsores ya proyectan nuevas acciones en Riachuelo y en la ciudad de Formosa, con la intención de seguir explorando formas alternativas de circulación artística y fortalecer las redes culturales de la región.En una época dominada por la lógica de la compra y la venta, Casa(s) de (inter)cambio(s) propuso algo distinto: recordar que el arte también puede circular a través de la confianza, la conversación y el deseo compartido de construir comunidad.La presencia formoseña en ArteCo 2026 también estuvo representada por Pasionaria, colectivo de artistas integrado por Roxana Toledo, Laura Simón y Gloria Polo. Desde una mirada atravesada por las experiencias territoriales, las memorias y las identidades del Norte argentino, el grupo volvió a posicionar la producción artística formoseña dentro de uno de los encuentros de arte contemporáneo más importantes de la región. Su participación reforzó la visibilidad de las creadoras locales y el creciente protagonismo de las propuestas colectivas en los circuitos culturales del Nordeste.

El Centro Cultural Independiente La Mandinga ofrece para el domingo 21 una propuesta que combinará música, danza, teatro y la participación de mujeres emprendedoras. Las actividades iniciarán a las 17:30 horas en la antesala de la sala de teatro con el encuentro Al compás y con memoria. Impulsado dentro de las acciones por el Ni Una Menos junto a la Dirección de Género de la Municipalidad capitalina, se propone una tarde de encuentro para reflexionar y pensarnos de manera colaborativa en una sociedad todavía patriarcal, signada por fuertes mandatos hacia las mujeres y disidencias. Habrá intervenciones artísticas, música en vivo, propuestas de danza, con Teresita Donkin y la presencia de mujeres emprendedoras que compartirán sus proyectos y experiencias. Con entrada libre y gratuita, el encuentro busca promover la reflexión sobre las desigualdades de género, los mandatos culturales y los desafíos que aún enfrentan mujeres y diversidades en una sociedad atravesada por estructuras patriarcales. A través de distintas expresiones artísticas, se invita a pensar colectivamente nuevas formas de construcción social, desde la memoria, la creatividad y la participación.Una historia sobre los mandatos y la identidadA las 21.30 horas, el escenario de La Mandinga recibirá la obra teatral La Clavelito, una mujer hecha de retazos, un unipersonal que aborda con sensibilidad y profundidad las marcas que dejan los mandatos sociales sobre la vida de las mujeres. La puesta en escena cuenta con la actuación de Gabriela Zorrilla, la dirección de Violeta Zorrilla y la participación de Eugenia Zorrilla, prometiendo una experiencia con un fuerte mensaje y de gran calidad artística para el público formoseño. Cuenta la historia de una mujer de 50 años que, al reencontrarse con sus recuerdos, comienza a revisar las creencias, exigencias y condicionamientos que guiaron gran parte de su existencia. A medida que reconstruye su historia personal, el personaje va descubriendo cómo esos mandatos la llevaron a intentar convertirse en una “mujer normal”, alejándola de sus verdaderos deseos, sueños e identidad. Las entradas tienen un valor promocional de 15.000 pesos, mientras que las anticipadas pueden adquirirse a 2 por 20.000 pesos. Las reservas se realizan al teléfono 3704-413388 (Sofía) o a través de las redes sociales de @laclavelito. Como es habitual, durante toda la jornada estará abierta la tradicional Cantina de Colombina, sumando gastronomía y encuentro a una programación que invita a compartir una tarde y noche de cultura independiente.

Cada 20 de junio, las escuelas se llenan de guardapolvos blancos, promesas de lealtad y discursos que repiten una historia conocida de memoria. Durante generaciones aprendimos una versión simplificada: Manuel Belgrano observó el cielo, eligió sus colores y nació la bandera argentina. La historia real es bastante más política, conflictiva y humana.La bandera argentina, tal como la conocemos hoy, no surgió como un símbolo indiscutido ni como una inspiración repentina. Nació en medio de una revolución, una guerra y profundas disputas sobre el rumbo que debía tomar el territorio que todavía no era la Argentina. Y, aunque hoy parezca difícil de creer, fue un símbolo que el propio poder político intentó frenar. Fue la bandera que el gobierno no quería.Mientras hoy es el emblema más importante del país, en 1812 la bandera generaba incomodidad entre los propios revolucionarios. Cuando Belgrano decidió crear una insignia con los colores celeste y blanco, las Provincias Unidas del Río de la Plata aún no habían declarado formalmente la independencia. La dirigencia de Buenos Aires mantenía una delicada estrategia política conocida como la “máscara de Fernando VII”: avanzar con la revolución mientras evitaba romper públicamente con la Corona española. Por eso, cuando Belgrano informó que había creado una nueva bandera y la había izado por primera vez a orillas del Paraná, la reacción del gobierno fue inmediata. Le ordenaron dejar de utilizarla. Temían que el gesto fuera interpretado como una declaración abierta de independencia y provocara una respuesta militar aún más dura de España. Paradójicamente, el símbolo patrio más importante de la Argentina nació sin autorización oficial. Belgrano ya se encontraba marchando hacia el Norte cuando llegó la orden. No está claro si nunca recibió el mensaje a tiempo o si decidió ignorarlo. Lo cierto es que la bandera siguió acompañando a sus tropas.Ni el cielo ni las nubesLa explicación escolar suele decir que los colores surgieron de observar el cielo. Sin embargo, los historiadores coinciden en que la elección tuvo motivaciones mucho más terrenales. Belgrano tomó los colores de la escarapela nacional, creada poco antes por el propio gobierno revolucionario. Sobre el origen último del celeste y blanco existen diversas interpretaciones. Algunas investigaciones los vinculan con los colores utilizados por la dinastía borbónica que gobernaba España; otras señalan la fuerte influencia de la devoción mariana en la época y su relación con los colores asociados a la Virgen. Como ocurre con muchos símbolos históricos, la explicación definitiva sigue siendo motivo de debate.La mujer que cosió la primera banderaDurante mucho tiempo, la historia oficial concentró toda la atención en los próceres y dejó en segundo plano a quienes también participaron de los acontecimientos. Entre ellos aparece una figura que recién en las últimas décadas comenzó a recuperar reconocimiento: María Catalina Echevarría.Según la tradición histórica, fue ella quien confeccionó la primera bandera en Rosario, adquiriendo las telas y coordinando el trabajo de costura necesario para que el proyecto de Belgrano pudiera materializarse. Mientras los manuales escolares inmortalizaron a generales, gobernantes y militares, el nombre de la mujer que habría cosido la primera bandera permaneció durante años prácticamente ausente de los relatos oficiales.El sol llegó despuésLa bandera original creada por Belgrano no incluía el Sol de Mayo. Ese elemento fue incorporado oficialmente en 1818 y con el tiempo se convirtió en una de las imágenes más reconocibles de la identidad argentina. Su significado también genera debates. Algunos historiadores encuentran vínculos con la iconografía del dios solar Inti de las culturas andinas, mientras otros lo relacionan con símbolos revolucionarios utilizados en distintos procesos independentistas de América.Como si eso fuera poco, todavía existen discusiones sobre algunos detalles de la primera bandera creada por Belgrano. El símbolo más famoso del país conserva, más de dos siglos después, varios misterios sobre su origen.La imagen más difundida de Belgrano, cuyo nombre completo es Manuel José Joaquín del Corazón de Jesús Belgrano, es la de un militar de uniforme impecable al frente de sus tropas. Sin embargo, esa fue apenas una parte de su vida. Antes de convertirse en general, había estudiado economía, derecho y ciencias políticas en Europa. Era uno de los intelectuales más preparados de su generación y sostenía ideas notablemente avanzadas para su tiempo. Defendía la educación pública, promovía el desarrollo de la industria nacional, impulsaba la creación de escuelas técnicas y sostenía que las mujeres debían acceder a la educación. Incluso destinó el premio económico recibido por sus victorias militares en Tucumán y Salta a la construcción de escuelas. Si hoy pudiéramos entrevistarlo, probablemente dedicaría más tiempo a hablar de educación y desarrollo que de estrategias militares.El Día de la Bandera no recuerda el momento en que fue creada, sino la muerte de su creador. Belgrano falleció el 20 de junio de 1820, a los 50 años, enfermo y atravesando dificultades económicas. La coincidencia histórica resulta llamativa: ese mismo día Buenos Aires vivía una de las crisis políticas más profundas de su historia, un episodio que luego sería recordado como el Día de los Tres Gobernadores. El caos institucional era tan grande que la muerte del prócer pasó prácticamente desapercibida. Un único periódico publicó una breve noticia sobre su fallecimiento. Décadas más tarde, la construcción de la memoria nacional lo transformaría en uno de los padres fundadores de la patria. Pero en aquel momento era apenas un hombre enfermo que moría mientras el país que ayudó a construir atravesaba una crisis monumental.Cada 20 de junio celebramos una bandera cuya historia sigue siendo fascinante, porque detrás del símbolo que hoy une a millones de argentinos no hay una postal escolar perfecta, sino una trama de desobediencias, tensiones políticas, mujeres invisibilizadas, proyectos educativos y disputas sobre la identidad de un país que todavía estaba naciendo. Belgrano no dejó solo una bandera y quizás la mejor manera de recordarlo no sea únicamente mirando un emblema flamear, tal vez también implique recuperar algunas de las preguntas que marcaron su vida: cómo construir una educación para todos, cómo generar desarrollo sin depender del exterior, cómo formar ciudadanos capaces de pensar por sí mismos. Al final del día, eso es hacer Patria.

El joven escritor formoseño, Bau Yahari, presentó la preventa de su nuevo libro Proemio de un comediante (editado por Sueñera Ediciones, sello de la Revista Sudestada) que estará disponible durante los próximos dos meses y podrá adquirirse a través de la web https://linktr.ee/proemiodeuncomediante al precio de 15 mil pesos.Se trata de la quinta obra de este prometedor autor que, en esta oportunidad, elige narrar un poemario donde, fiel a su estilo, cita a pensadores clásicos de su preferencia como Slavoj Žižek, Jorge Luis Borges, Charles Bukowski  y Jacques Lacan y los hace dialogar con grandes filósofos contemporáneos como Cristian “El Pity” Álvarez, Don Ramón e, inclusive, un juego online que está en auge: el Fornite.Con la impronta que lo caracteriza, Bau Yahari construye los relatos de esta “novela en verso”, como él mismo la define, desde lo profundo de sus sentimientos y pensamientos con un análisis exquisito de su propio ser y los metadiscursos que lo atraviesan y lo invitan a una introspección constante de sus vivencias, sobre todo, amorosas. Es una serie de poemas cortos, fáciles de leer pero que logran calar hondo en los lectores, principalmente en aquellos que intentan acercarse, o volver, a la lectura como herramienta de resistencia frente a un mundo que presenta alternativas de entretenimiento cada vez más efímeras e insignificantes.“Mis poemas surgen en un entorno de tristeza, melancolía y nostalgia”, reconoce el autor y agrega: “No mantengo ninguna estructura ni rutina puntual; escribo cuando lo necesito. Aun así, más o menos he hecho el cálculo y termino escribiendo alrededor de cuatro horas diarias”. En la obra de Bau Yahari, la escritura no aparece como una disciplina académica ni como una práctica profesional, sino como una forma de supervivencia emocional: “La escritura era el único escape que tenía de la realidad, la forma de hacer catarsis y, con el tiempo, también entendí que era lo único que sabía -y sé- hacer bien”.Uno de los aspectos más llamativos de Proemio de un comediante es la naturalidad con la que pone en diálogo universos aparentemente incompatibles.Žižek puede compartir página con Don Ramón. Lacan puede cruzarse con Fortnite. Borges puede convivir con la cultura de internet. Lejos de ser una provocación, esa mezcla parece reflejar la manera en que una generación entera construye hoy sus referencias culturales: saltando de una teoría filosófica a un video viral, de una novela clásica a un videojuego online, sin establecer fronteras rígidas entre la llamada alta cultura y la cultura popular. En ese sentido, la obra de Yahari resulta representativa de una sensibilidad contemporánea que encuentra sentido precisamente en esos cruces.Proemio de un comediante ya se encuentra en preventa y puede adquirirse durante los próximos dos meses. Más allá del lanzamiento editorial, el libro confirma la consolidación de una de las voces jóvenes más particulares surgidas en Formosa en los últimos años. Una voz que encuentra en la poesía, la filosofía y la cultura popular no respuestas definitivas, sino nuevas formas de interrogar el mundo.

La pianista paraguaya Chiara D’Odorico, una de las intérpretes sudamericanas con mayor proyección internacional, ofrecerá un concierto gratuito dedicado íntegramente a la música académica de su país. El sábado 6 de junio, a las 20.30, el Teatro de la Ciudad será escenario de Paisajes del Paraguay, un concierto que propone un recorrido íntegro por la producción académica de compositores paraguayos, una tradición artística de enorme riqueza pero todavía poco difundida fuera de sus fronteras. La presentación forma parte del Ciclo de Grandes Conciertos de la Temporada 2026.Nacida en Asunción, Chiara D’Odorico comenzó a estudiar piano a los cuatro años bajo la guía de su madre, Miriam de D’Odorico. Con el tiempo perfeccionó su formación junto a reconocidos maestros como Bruno Gelber y Manuel Massone en Argentina, además de realizar estudios en Europa con destacados referentes de la interpretación pianística internacional. Hoy es considerada una de las artistas paraguayas con mayor proyección internacional. Su trayectoria incluye actuaciones en más de cuarenta países distribuidos en cinco continentes, con presentaciones en escenarios de América, Europa, África y Asia.Sin embargo, a diferencia de muchos intérpretes que orientan su carrera exclusivamente hacia el repertorio universal, D’Odorico eligió convertir la música paraguaya en una parte central de su identidad artística. Sus tres producciones discográficas -Purahéi che retãgua, Ofrenda a mi tierra y Añoranza- están dedicadas precisamente a la difusión del patrimonio musical académico paraguayo. El primero de ellos incluso fue nominado a los Premios Gardel como Mejor Álbum de Música Clásica. A lo largo de los años, la pianista presentó y estrenó obras de compositores paraguayos en numerosos escenarios internacionales, consolidándose como una verdadera embajadora cultural de su país.La visita a Formosa posee además un valor simbólico particular. Separadas por apenas unos kilómetros y un río, Paraguay y Formosa comparten una historia, una geografía y una sensibilidad cultural que muchas veces se expresa en la música. Sin embargo, gran parte de la producción académica paraguaya continúa siendo desconocida para el público de este lado de la frontera. Paisajes del Paraguay aparece entonces como una oportunidad para escuchar esas voces, esos autores y esas tradiciones musicales desde una mirada contemporánea y profundamente comprometida con la preservación del patrimonio cultural.

El líder de Massacre habló con Día Seis sobre el impacto de Nueve, la evolución de la música argentina y la resistencia de una contracultura low frente a la velocidad del algoritmo.El romance entre Formosa y Massacre suma un nuevo capítulo. La banda liderada por el icónico Walas e integrada por Pablo Mondello, Luciano Facio, Federico Piskorz y Carlos Carnota, regresa a la provincia el domingo 14 de junio, a las 21, en JBC Club, en lo que será su única presentación en toda la región del NEA. La noche promete ser un ritual completo de la cultura independiente: la apertura estará a cargo de los locales Luc A’ Laiv y el cierre quedará en manos de la DJ Flor Vainilla. Las entradas anticipadas ya están disponibles a través de AlPogo.Este desembarco —el quinto en territorio formoseño— no es una fecha más; consolida un vínculo de larga data, un puente directo entre el público local y una de las trayectorias más gigantescas del rock nacional. Pioneros absolutos del skate punk en Latinoamérica desde su nacimiento en 1986 como Massacre Palestina, la banda supo transmutar desde el underground más subterráneo hasta el mainstream sin perder un gramo de su espíritu rebelde.Hoy, consolidados como la referencia ineludible del rock alternativo, llegan con dos recientes Premios Gardel bajo el brazo (Mejor Álbum de Rock y Productor del Año) por Nueve, su noveno disco de estudio. Un trabajo de escala internacional grabado entre Buenos Aires, Brooklyn y Los Ángeles, producido por Gustavo Santaolalla, Héctor Castillo y Federico Piskorz.A días de pisar suelo formoseño, Walas dialogó en exclusiva con Día Seis sobre el éxito de Nueve, el presente de la música argentina, las nuevas generaciones y el desafío de sostener una identidad artística después de cuatro décadas de trayectoria.—Nacieron en 1986 como Massacre Palestina, en pleno auge del skate punk subterráneo, y terminaron compartiendo escenario con gigantes como los Ramones, Foo Fighters, Green Day e Iggy Pop. Mirando en retrospectiva, ¿en qué momento sintieron que ese sonido marginal y alternativo de los inicios logró romper la barrera del mainstream sin perder el espíritu rebelde?Walas: Cuando salió El Mamut, se alinearon los planetas, con Juanchi Baleiron como productor artístico, con las herramientas de nuestra discográfica, Tori como manager, buenas canciones y la entrada a los festivales. Siento que sin perder la identidad ni nuestra postura frente a la música. Pero siempre son las canciones que funcionan en el momento justo. Es una alquimia que no siempre se da aunque todos los artistas la busquemos.—El disco Nueve llegó después de casi una década sin un álbum de estudio. ¿Qué cambió en Walas y en Massacre durante ese tiempo, y qué refleja el disco de esta nueva etapa de la banda?W: Nosotros con cada disco intentamos experimentar caminos distintos. En este disco hay menos guitarras, lo trabajamos con 3 productores diferentes. Lo hicimos en diferentes etapas, lo compusimos en pandemia, y todo eso junto generan cambios también en lo personal. No podría sintetizar esos años tan particulares en pocas palabras.—¿Cómo fue la experiencia de grabar entre Buenos Aires, Brooklyn y Los Ángeles, y qué le aportó la mirada de un prócer como Gustavo Santaolalla a la identidad actual de Massacre?W: Creo que Gustavo dejó su sello personal en Mariposa sobre todo pero lo que sucede incluso con los feats es que todos terminan siendo Massacre, tenemos una identidad muy fuerte y hasta Vicentico, por ejemplo, con su impronta tan particular, también está incorporado a nuestro sonido y frecuencia.—Fueron pioneros del skate punk en Latinoamérica y hoy son una referencia del rock alternativo argentino. ¿Cómo ves la evolución de la escena musical desde aquellos años 80 hasta la actualidad? ¿Y qué te genera saber que después de tres décadas Massacre sigue siendo el puente que une al rock clásico con las nuevas expresiones de la cultura independiente?W: Argentina es un gran generador de talento en todos los niveles, culturales y hasta científicos. Hoy las nuevas recreaciones y géneros están rescatando la mirada al pasado, y eso es muy enriquecedor. Hubo creo yo un momento de estancamiento y que parecía que nada nuevo sucedía. Pero los géneros urbanos y durante la pandemia la cantidad de artistas emergentes aún dentro del Indie que surgieron, es llamativo. Creo que hay un gran semillero muy valioso entre las bandas o solistas nuevos, mucho futuro a pesar de los tiempos difíciles que estamos viviendo. De las crisis históricamente han surgido los movimientos artísticos revolucionarios.—Muchas de tus letras invitan a mirar la realidad desde otro lugar. En un contexto social tan acelerado y atravesado por las redes sociales, ¿qué creés que el rock todavía puede aportar como espacio de reflexión y libertad?W: Estamos inmersos en un sistema que te obliga a acelerar para visibilizarte y permanecer vigente, pero tengo esperanza en que un movimiento low emerja como contracultura, y la experiencia y la conexión humana en definitiva, es la que va a ser eternamente irreemplazable.A casi cuatro décadas de sus primeros pasos, Massacre sigue demostrando que la vigencia no pasa por adaptarse a las modas, sino por sostener una identidad propia. El 14 de junio, la banda vuelve a Formosa para reencontrarse con un público que la acompañó en distintas etapas de su historia. Será una nueva oportunidad para celebrar canciones, recorrido y una forma de entender la música que, como sostiene Walas, sigue encontrando en la experiencia compartida y en la conexión humana su mayor razón de ser. Las cartas están echadas: solo queda asegurar el lugar y dejarse llevar por la alquimia.

El Sótano Cultural volverá a transformarse el fin de semana en uno de esos refugios para la escena alternativa local donde el rock todavía conserva algo ritual. Serán dos noches atravesadas por guitarras filosas, la energía del under y el espíritu inoxidable de bandas que siguen encontrando en el vivo su mejor territorio.La primera descarga llegará hoy viernes 15 de mayo, desde las 22 horas, con la presentación de Hermann, histórica voz de Mal Momento y una de las figuras más emblemáticas del punk rock argentino. Con décadas de escenario, himnos generacionales y una trayectoria ligada al under nacional, Hermann trae a Formosa un show cargado de energía, distorsión y canciones que siguen resonando dentro de la cultura punk argentina.La fecha contará además con la participación de las bandas locales Sueñan los Androides y Rompe Encantos, que abrirán la noche sumando sonidos propios y reforzando el movimiento independiente de la escena formoseña. Las entradas anticipadas pueden conseguirse en Otto Rock.Sábado de homenaje a Sumo y rock del litoralLa intensidad continuará el sábado 16 de mayo, desde las 23 horas -puntual- con una noche que mezclará espíritu under, pogo y clásicos inoxidables del rock nacional. Desde Chaco llegará Circo Romano para ofrecer un show atravesado por la potencia y el sonido del Norte argentino, mientras que los locales Divididos por la Felicidad volverán a encender el legado de Sumo con una presentación cargada de caos, irreverencia y canciones que ya forman parte de la historia grande del rock nacional. Más que un simple tributo, la propuesta recupera el espíritu visceral de la banda liderada por Luca Prodan: una mezcla explosiva de post punk, reggae, rock y descontrol escénico que todavía sigue convocando generaciones. Las entradas para esta fecha tendrán un valor de 8 mil pesos y se venderán únicamente en puerta.Con propuestas que van del punk al rock alternativo y del homenaje a Sumo a las nuevas escenas regionales, El Sótano Cultural vuelve a consolidarse como uno de los espacios fundamentales para la música independiente en Formosa, sosteniendo algo esencial: el encuentro físico entre bandas, público y escena local. Fechas pequeñas, cercanas y autogestivas que mantienen viva una forma de vivir la música desde la intensidad colectiva y el contacto directo con el escenario. Una noche para ir al Sótano y entregarse al rock.

Hay proyectos culturales que nacen como una apuesta pequeña, casi íntima, y terminan convirtiéndose en una celebración colectiva imposible de ignorar. Algo de eso sucede con La Formoseñada, el encuentro que en apenas cuatro ediciones pasó de ser un festival musical a transformarse en uno de los movimientos culturales más diversos de la provincia. Del 31 de julio al 2 de agosto, los Galpones C y G del Paseo Costanero volverán a llenarse de música, danza, teatro, cine, literatura, fotografía, arte plástico, gastronomía y ferias culturales en una programación que promete reunir a cientos de artistas y miles de espectadores durante tres jornadas atravesadas por la identidad formoseña. Lo que comenzó en el 2023 como un encuentro musical en el Teatro de la Ciudad, hoy se desborda de talento y necesita los dos galpones culturales y el predio ferial de la costanera para contener tanto arte. El anuncio fue realizado por el músico y cantante Darío Krimer, impulsor de esta propuesta que ya logró instalarse como una cita obligada dentro de la agenda cultural provincial y que este año redobla su escala con el acompañamiento del Gobierno provincial, organismos culturales, instituciones educativas y empresas privadas. La Formoseñada no funciona solamente como un festival, sino como una fotografía viva de la cultura formoseña contemporánea.Krimer destacó el impacto que tuvo la edición pasada gracias a la cobertura del canal de streaming Angaú Play, que volverá a transmitir el evento junto al Instituto Superior del Profesorado de Arte de Formosa y la sede NEA de la ENERC. La apuesta es seguir fortaleciendo el perfil regional del encuentro sin perder la raíz local que le dio origen.La edición 2026 volverá a desplegar una programación múltiple que incluirá proyecciones cinematográficas, funciones teatrales, exposiciones plásticas y fotográficas, feria gastronómica y espacios para artesanos y emprendedores. Entre los artistas y grupos confirmados aparecen el Coro Gospel, la Camerata Formosa, Formar Arpegios, el Ballet Raíz Provinciana, la Academia Edén Rock, Las Voces del Camino, Qom Llalec, La Fórmula del Chamamé, Chamuyo Tango, Santos Amores, Nadia Escobar y Daniel Rojas, la Peña de Ñande Folk, Retumba Que Te Parió, La Sessesion, Ricardo Martínez, Piri Aráoz, Hirlando Montiel y delegaciones artísticas del interior provincial, entre muchos otros. La entrada, como en cada edición, será libre y gratuita.Un himno, un símbolo y una llama encendidaCon los años, La Formoseñada también fue construyendo sus propios símbolos. El encuentro ya cuenta con un himno compuesto por Beto Salas y ahora suma además un nuevo logotipo diseñado por Alberto Alen, basada en una estética de collage digital. En esa misma línea aparece también La Flama, la estatuilla creada por el artista plástico Pablo Vacazur que desde el año pasado reconoce trayectorias culturales fundamentales de la provincia. “La hoja del pindó representa una llama distinta, como cada expresión cultural que mantiene encendida nuestra identidad”, explicó el artista.Este año serán homenajeadas figuras destacadas como Isaac Rojas por su aporte al teatro, Ezio Massa por el cine, Ema Cueñeri por la cultura qom, Lilo Domínguez en periodismo y Dante Aguirre en danza. También habrá homenajes póstumos a artistas formoseños recientemente fallecidos como Raúl Araujo, Carlos del Turco y Antonio Colman.Gran rifa solidariaMás allá de su crecimiento, Krimer insistió en remarcar algo esencial: La Formoseñada sigue siendo una construcción autogestiva sostenida por el trabajo colectivo y la colaboración de muchísimas personas. Por eso este año también se lanzó una gran rifa solidaria con 20 premios y un valor de 10 mil pesos por número, destinada a colaborar con la realización del festival. Los interesados en colaborar pueden contactarse vía WhatsApp al celular: 11624762382. En agosto, el río será testigo una vez más de que, cuando el arte se encuentra, Formosa late más fuerte.

Hay espacios que no se resignan a la lógica del consumo rápido, del aislamiento y de la indiferencia. Espacios donde todavía es posible sentarse a mirar una obra, compartir una película, discutir lo que duele y quedarse conversando después, en ronda, entre mesas, luces tenues y el rumor de una cantina abierta. Este fin de semana, el Centro Cultural Independiente La Mandinga vuelve a proponer justamente eso: arte para pensar, sentir, debatir y volver a encontrarnos, en tiempos donde los mandatos parecen asfixiarnos, la propuesta nos invita a pausar, mirar y, sobre todo, encontrarnos. Porque no se trata solo de ver una obra o una película; se trata de lo que pasa después. El patio y la cantina de La Mandinga esperan para transformar el silencio del espectador en la palabra compartida, construyendo comunidad entre charlas y reflexiones.La agenda de La Mandinga combina teatro y cine debate con temáticas profundamente atravesadas por el presente: los mandatos sociales que moldean identidades, las imposiciones económicas que colocan el mercado por encima del trabajo y las formas de un sistema que muchas veces parece expulsar lo humano de la escena cotidiana.La Clavelito: La reconstrucción de una identidadEl sábado 16 de mayo, a las 21.30, volverá a presentarse La Clavelito - Una mujer hecha de retazos, el unipersonal protagonizado por Gabriela Zorrilla y dirigido por Violeta Zorrilla, luego de un estreno que dejó sala llena y fuertes repercusiones emocionales. La obra nace del entrenamiento actoral y de una búsqueda íntima: contar la historia de una mujer de 50 años que, enfrentada a sus propios recuerdos, empieza a desmontar las creencias y mandatos que la empujaron durante años a convertirse en una supuesta “mujer normal”. En ese recorrido aparecen voces, escenas y personajes de autores como Antón Chéjov, Griselda Gambaro, Federico García Lorca y Alejandro Urdapilleta, que regresan como ecos de una vida fragmentada.La protagonista arma y desarma su propia historia como quien junta piezas dispersas de un rompecabezas. Lo teatral se vuelve entonces memoria, confesión y pregunta: ¿cuánto de lo que somos fue realmente elegido?. Las entradas tienen un valor de 15 mil pesos, con promoción de dos por 20 mil. Las reservas pueden realizarse al 3704-413388 o a través del Instagram @laclavelito.El cine como trinchera colectivaLa segunda propuesta llegará el domingo 17 de mayo, a las 18, con una nueva edición del ciclo de cine debate Solx No Se Nace, impulsado por un colectivo de psicólogas y artistas que desde hace tiempo viene construyendo espacios de encuentro y reflexión comunitaria.En esta oportunidad se proyectará la película Industria Argentina, dirigida por Ricardo Díaz Iacoponi, una historia ambientada en la crisis de 2002 que retrata el derrumbe de una fábrica de autopartes y la lucha de sus trabajadores frente al abandono patronal. La película sigue especialmente a Juan, un trabajador correntino que observa cómo el horizonte se vuelve cada vez más oscuro, y a Daniel, obrero histórico de la fábrica que termina convirtiéndose en referente de sus compañeros cuando el cierre parece inevitable. Frente a la amenaza del desempleo y la miseria, aparece una posibilidad colectiva: organizarse y sostener la producción a través de una cooperativa.Con actuaciones destacadas de Carlos Portaluppi, Cutuli, Aymará Rovera, Celina Font, Daniel Valenzuela, Manuel Vicente y Soledad Silveyra, el film evita los grandes artificios para contar una historia profundamente humana sobre la desesperanza, la dignidad y la resistencia.Desde la organización del ciclo contaron que el cine debate nació de “la necesidad imperiosa de volver a encontrarnos, de construir espacios donde el malestar pueda circular colectivamente y donde todavía sea posible imaginar otras formas de habitar el presente”. La actividad será a la gorra y las novedades del ciclo pueden seguirse en Instagram a través de @ciclodecine.fsa.Entre funciones, charlas y mesas compartidas, La Mandinga vuelve a recordarnos algo sencillo pero urgente: que el arte también puede ser refugio, pregunta y comunidad; es el pretexto perfecto para no sentirnos tan solos. 

Hay generaciones que recuerdan una época por los discos. Otras, por las películas. Los millennials, en cambio, muchas veces recuerdan su adolescencia por MTV. Por esas tardes de videoclips, por los compilados grabados en CDs vírgenes y por una mezcla imposible donde convivían Backstreet Boys, Linkin Park, Avril Lavigne y Limp Bizkit sin necesidad de pedir permiso. Sobre esa memoria afectiva se construye el fenómeno de The HITZ, la banda santafesina que convirtió la nostalgia dosmilera en una experiencia en vivo explosiva y que el sábado 9 de mayo regresará a Formosa para presentarse en el Sótano Cultural desde las 22 horas. El regreso al Sótano Cultural no será en solitario. La noche contará con la apertura de SundayGrunge, banda que preparará el terreno con los sonidos crudos de Seattle, completando una propuesta integral para los amantes de las guitarras. Entradas: Hook (avenida 25 de Mayo 383), Rock House, El Agite. Online: Plataforma Passline.Lejos de funcionar como una banda tributo convencional, The HITZ propone algo mucho más cercano a una fiesta generacional. Su repertorio es una curaduría de los años 90 y 2000 que amalgama géneros antes enfrentados: el nü metal, el pop punk y el mainstream más radial conviven sin fricciones en un show de 90 minutos. La trayectoria de la banda es un caso de estudio sobre cómo una lectura inteligente de la cultura pop puede transformar un hobby en un producto de exportación. El proyecto dio sus primeros pasos en enero de 2019 en Reconquista, Santa Fe. Lo que originalmente se planteó como una serie de presentaciones aisladas bajo el nombre de MTV Hitz, rápidamente desbordó las expectativas del circuito local. Martín Romero (voz), Mateo Zanel (guitarra), Tomás Benítez (bajo y coros) y Nicolás Menéndez (batería) lograron construir un espectáculo que dialoga directamente con una generación atravesada por la cultura pop de finales de los 90 y comienzos de los 2000. Y quizás allí reside buena parte del fenómeno: The HITZ no trabaja solamente sobre canciones, sino sobre recuerdos. Cada tema funciona como una cápsula emocional capaz de transportar al público a otra etapa de su vida. En escena, hay visuales renovadas, una puesta energética y una lectura contemporánea de canciones que siguen funcionando como himnos generacionales. La respuesta del público acompañó el crecimiento del proyecto: millones de reproducciones en redes sociales y una gira que ya recorrió Argentina, Chile, Paraguay y Uruguay consolidaron a la banda como uno de los fenómenos live más particulares del Cono Sur. En tiempos donde la nostalgia se convirtió casi en un lenguaje cultural propio, The HITZ entendió algo clave: volver al pasado también puede ser una forma de reencontrarse colectivamente en el presente.

El domingo 10 de mayo, a las 20 horas, el Centro Cultural Independiente La Mandinga abre sus puertas a Se necesita un cadáver, una pieza de Guillermo Montilla Santillán que explora los límites de la ambición a través del lente del humor negro. La nueva propuesta de La Chamullería es una comedia absurda y filosa donde la desesperación convierte lo impensado en rutina y el caos crece escena tras escena.La obra despliega una trama donde el absurdo es el rey. Un grupo de personajes necesita conseguir un cadáver. Y cuanto más intentan resolver el problema, más se hunden en una cadena de decisiones delirantes, moralmente dudosas y cada vez más caóticas. Lo macabro aparece atravesado por situaciones reconocibles, miserias humanas y personajes que terminan desbordados por sus propias contradicciones. Ahí está parte de la potencia de la propuesta: convertir lo absurdo en espejo. Porque detrás de los diálogos veloces, los enredos y las situaciones disparatadas, la obra deja flotando preguntas incómodas sobre la ambición, la desesperación y los límites éticos que muchas veces se vuelven flexibles cuando la necesidad aprieta. Y también apuesta por un territorio incómodo y liberador: el de la risa que aparece justo donde no debería. Sus personajes no son monstruos: son personas comunes intentando resolver algo imposible de la peor manera posible.La invitación al espectador es clara: reflexionar sobre la naturaleza humana y hasta dónde somos capaces de llegar cuando las circunstancias nos empujan al abismo, pero sin perder nunca el sentido del humor. La obra se presenta como una propuesta provocadora, ideal para quienes buscan en el teatro algo más que una simple distracción; una mirada crítica y profundamente humana sobre lo macabro que nos habita.La función también reafirma el movimiento que viene sosteniendo el teatro independiente formoseño, cada vez más dispuesto a explorar géneros menos convencionales y propuestas alejadas de la comodidad narrativa. Desde La Chamullería, el objetivo parece claro: construir una experiencia teatral intensa, cercana y sin solemnidad, donde el público pueda pasar de la carcajada a la incomodidad en cuestión de segundos. Porque en Se Necesita un Cadáver el humor nunca está completamente separado de la tragedia. Y esa mezcla -incómoda, absurda y profundamente humana- es precisamente lo que vuelve atractiva a la obra.Entradas anticipadas: $15.000.En puerta: $20.000.Promo anticipadas: 2 x $25.000.Reservas y consultas: 3704-586213 / 3704-589138.Más información en Instagram de La Chamullería.

Después de El Fortín de los Caranchos no había demasiados caminos posibles: repetirse o romperse otra vez. Tincho Iza y Carlos Leyes eligieron la segunda opción. Y quizá por eso Frankenstein Caído aparece hoy como una de las apuestas teatrales más ambiciosas que haya dado la escena formoseña en los últimos años. No sólo por el despliegue técnico o por la dimensión de la producción, sino porque detrás del clásico de Mary Shelley late una pregunta incómoda y profundamente contemporánea: ¿qué hacemos con aquello que creamos y luego decidimos abandonar?La obra se estrena el sábado 9 de mayo en el Teatro de la Ciudad, a las 21 horas y llega precedida por una expectativa poco habitual para el circuito local. El fenómeno generado por la adaptación “fortinera” de Macbeth convirtió a la dupla Iza-Leyes en uno de los motores más inquietos del teatro regional. Pero lejos de quedarse en la fórmula del éxito, ahora avanzan hacia un territorio más oscuro, físico y existencial. Las entradas anticipadas se pueden adquirir vía online www.quieroyaeventos.ar o personalmente en el local de Hook (avenida 25 de mayo 383).Aquí no hay castillos góticos ni nostalgia por el cine clásico de terror. Frankenstein Caído trabaja desde otro lugar: el cuerpo vivo, la respiración compartida y la tensión emocional que sólo puede sostener el teatro cuando el artificio desaparece y queda el actor frente al espectador. “Quisimos devolverle a Frankenstein su peso humano. En el teatro, el monstruo es una construcción de cuerpos y respiración”, explica Tincho Iza, director y co-dramaturgo de la puesta. La frase funciona casi como una declaración estética. Porque en esta versión el horror no proviene del maquillaje ni del efecto visual, sino de algo mucho más reconocible: la soledad, el rechazo y la irresponsabilidad del creador frente a su propia obra.El monstruo somos nosotrosEn tiempos atravesados por inteligencias artificiales, algoritmos y tecnologías capaces de producir imágenes, voces y hasta emociones artificiales, la obra encuentra una resonancia inevitable con el presente. El Víctor Frankenstein que interpreta Lucas Ramírez ya no es sólo el científico obsesionado del siglo XIX. Se parece más a cualquier creador contemporáneo -un empresario tecnológico, un programador, un genetista- que avanza sobre sus posibilidades sin detenerse demasiado a pensar las consecuencias humanas. “Víctor ya no es solo un científico del siglo XIX; es el símbolo de cualquier creador que no mide consecuencias”, dice Ramírez. Y allí aparece uno de los grandes hallazgos de la puesta: la posibilidad de leer el mito desde la ansiedad tecnológica de 2026 sin perder la esencia trágica del relato original.La criatura, encarnada por Carlos Leyes, se transforma en algo más que un monstruo. Es el resultado del abandono. Una existencia creada para ser negada. Un cuerpo condenado a buscar afecto en un mundo que primero lo fabrica y después lo expulsa. Para construir ese recorrido, Leyes atravesó un año completo de preparación física y vocal. El personaje evoluciona desde el balbuceo primitivo hasta una lucidez amarga y casi filosófica. “Es uno de los trabajos más ricos que me tocó desarrollar; trabajamos las transiciones desde no saber hablar hasta ser un erudito”, cuenta el actor. El desafío no era sólo interpretar a la criatura, sino volverla humana sin domesticar su dolor.En medio de esa tensión aparece Elizabeth, interpretada por Mariana Capra, como un punto de equilibrio emocional dentro del caos. Su personaje funciona como refugio, pero también como recordatorio de que incluso en los universos más oscuros sigue existiendo una posibilidad de empatía. Un teatro que apuesta a lo grandeLa dimensión de Frankenstein Caído también se percibe en el trabajo técnico y visual que sostiene la puesta. La producción de Stampa Productora y Leyenda Contenidos Culturales armó un equipo que apuesta a una experiencia sensorial completa: el diseño sonoro envolvente de Alejandro Bogado, la iluminación de Omar Giménez, la escenografía de Cristian Vega y Patricia Velázquez y el universo visual desarrollado por Laura Borrini y Mauricio Bareiro construyen una atmósfera donde lo industrial, lo humano y lo monstruoso conviven en permanente tensión.El vestuario de Florencia Leyes acompaña esa lógica con una estética que evita la referencia clásica para instalarse en un tiempo ambiguo, casi posthumano. Nada parece pertenecer del todo al siglo XIX ni tampoco al futuro. Y justamente ahí radica parte de la potencia de la obra: Frankenstein Caído sucede en todos los tiempos posibles porque habla de algo que no deja de repetirse.La puesta también confirma algo que viene ocurriendo silenciosamente en la escena cultural formoseña: el teatro local dejó de pensar en pequeño. Ya no se trata solamente de producir obras “para la provincia”, sino de construir lenguajes propios capaces de dialogar con discusiones universales sin perder identidad territorial.Lo que propone Iza no es una adaptación escolar del clásico de Shelley. Es una relectura visceral donde el mito sirve para hablar del presente, del miedo al otro, de la soledad contemporánea y de una sociedad que consume vínculos descartables con la misma velocidad con la que produce tecnología.Volver a mirarnosEn un contexto cultural atravesado por la fragmentación, las pantallas y el aislamiento, Frankenstein Caído también funciona como reivindicación del teatro como ceremonia colectiva. El espectador no asiste únicamente a una historia: participa de una experiencia física y emocional compartida con otros cuerpos presentes. Ahí aparece quizás la dimensión más política de la obra. Frente a un tiempo donde casi todo puede reproducirse digitalmente, el teatro insiste en algo irreemplazable: la fragilidad del aquí y ahora.Y acaso por eso el monstruo de Frankenstein sigue vivo dos siglos después. Porque continúa preguntándonos qué hacemos con aquello que no queremos mirar. Qué parte de nuestra propia monstruosidad decidimos esconder. Y cuánto dolor puede producir el abandono cuando quien abandona es, justamente, el creador.

Entre biodiversidad, memoria y arte, la región chaqueña llega a La Rural para discutir modelos de desarrollo arraigados en el territorio y la identidad. El 5 de mayo, la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires será escenario de la charla-panel “Territorios que narran: Biodiversidad, cultura y futuro del Gran Chaco”. Una propuesta necesaria para pensar la región desde sus voces, sus comunidades y sus propias formas de habitar el mapa. La actividad es presentada por CAF –Banco de Desarrollo de América Latina y el Caribe-, junto a la Fundación Gran Chaco, celebrando los 25 años de presencia institucional del organismo en Argentina bajo el lema Crecemos juntos. Entendiendo que “la literatura y las narrativas culturales han sido históricamente una forma de interpretar los territorios, de construir identidades y de acercar al público general a los grandes debates ambientales de nuestro tiempo”, la cita será a las 17 horas en el stand de CAF (Pabellón Amarillo #1505) del Predio Ferial La Rural. En ese contexto, “el diálogo entre escritores, especialistas y organizaciones que trabajan en el territorio permite abrir nuevas miradas sobre el vínculo entre naturaleza, sociedad y futuro”.El objetivo central de este diálogo es visibilizar al Gran Chaco como una pieza clave para el equilibrio de América Latina. En un contexto donde la sustentabilidad suele reducirse a cifras globales, este panel pondrá el foco en las narrativas situadas: saberes comunitarios, prácticas productivas sostenibles y expresiones culturales que construyen sentido desde el monte y la comunidad,  proponiendo nuevas formas de habitar el presente. La propuesta invita a reflexionar sobre cómo las historias que nacen en el territorio pueden contribuir a imaginar modelos de desarrollo más inclusivos y, sobre todo, profundamente arraigados en nuestra identidad regional.Voces de nuestra tierraEl panel reunirá a referentes con un profundo trabajo territorial:Agustín Noriega: Especialista en desarrollo territorial y miembro de Redes Chaco.Marcos Ramírez: Gestor formoseño y referente de la escena cultural regional.Norma Rodríguez: Presidenta de la Cooperativa de Mujeres Artesanas del Gran Chaco (COMAR). Moderación: Alejandro Salamon (CAF).La fuerte presencia formoseña en este panel refleja el crecimiento de las redes culturales y comunitarias del Norte argentino. Desde la música y las artesanías hasta la producción colectiva, el Gran Chaco demuestra que es capaz de producir sus propios relatos y disputar sentidos sobre el futuro. En tiempos atravesados por la crisis climática y las discusiones sobre recursos naturales, la región vuelve a aparecer no solo como una reserva de biodiversidad, sino como un espacio donde sobreviven otras maneras de entender el vínculo entre comunidad, producción y territorio.

Ácido Argentino, la obra cumbre de Hermética, no solo es el disco más emblemático del metal pesado en nuestro país, sino una radiografía cruda de la Argentina de finales del siglo XX. Lanzado en 1991, es el segundo álbum de estudio de Hermética, cuyas canciones se convirtieron en himnos del metal argentino. A 35 años de su lanzamiento, el álbum sigue siendo una referencia inevitable del heavy metal nacional y volverá a tronar con fuerza el 2 de mayo en nuestra ciudad, cuando La H No Murió se presente en el Club Sol de América. La apertura del concierto estará a cargo de Manto Negro, la formación de metal que mejor representa la identidad de frontera en la región del NEA.La H No Murió tiene una importancia muy particular dentro de la cultura metalera argentina porque funciona como un puente entre generaciones y como una forma de mantener vivo el legado de Hermética, considerada por muchos la banda más influyente del metal nacional. El proyecto nació encabezado por Claudio O’Connor y Claudio Strunz, ambos exintegrantes de Hermética, junto a músicos invitados. Más que una “banda tributo”, La H No Murió se convirtió en una celebración colectiva de una etapa fundamental del metal argentino.La gira aniversario no aparece como un simple ejercicio de nostalgia. Por el contrario, funciona como una reafirmación de la vigencia de un disco que atravesó generaciones con letras crudas, sonido pesado y una mirada profundamente ligada a la realidad social argentina. Publicado en 1991, Ácido Argentino se convirtió con el tiempo en una de las obras más influyentes del metal latinoamericano y consolidó a Hermética como la banda más representativa del heavy metal nacional.En ese contexto, La H No Murió ocupa un lugar especial dentro de la escena. Su propuesta mantiene viva la llama del repertorio de la mítica banda, posicionándose como una reafirmación estética y política. En 1991, el disco introdujo una lírica que abandonaba los clichés del género para abrazar una narrativa ligada a la realidad del trabajador, el conflicto social y la resistencia cultural.Hoy, ese mensaje no ha perdido gramaje. El fenómeno de convocatoria que rodea a las presentaciones de La H No Murió demuestra que las nuevas generaciones han adoptado esos himnos como propios, encontrando en ellos una potencia interpretativa que sigue interpelando el presente.La noche en el Club Sol de América tendrá un condimento especial que nos toca de cerca. La apertura del fuego estará a cargo de Manto Negro, un verdadero estandarte del metal regional. La inclusión de la banda clorindense/paraguaya como soporte no es un dato menor en el análisis cultural. Manto Negro, con su propuesta de metal técnico y compromiso territorial, representa la vitalidad de una escena que se construye desde la periferia. Su participación marca el sentido federal del encuentro: el cruce entre la historia grande del metal nacional y la fuerza de las bandas que sostienen la cultura pesada desde el interior profundo y los límites fronterizos.Treinta y cinco años después, Ácido Argentino sigue demostrando que algunas obras no pertenecen solamente a una época. Permanecen. Y en Formosa volverán a sonar como si el tiempo nunca hubiera pasado.

En Casa de Artista, de Gloria Polo se inaugura la muestra colectiva titulada Bienvenida al Otoño. No solo es una exposición de arte, sino un manifiesto sobre el tiempo en una ciudad como la nuestra, donde el calor suele dictar el ritmo de los días y el Otoño a veces se percibe como un susurro, una transición casi invisible entre el rigor del Verano y la espera del Invierno. Casa de Artista invita a celebrar ese cambio de estación con una propuesta multidisciplinaria que promete encender los colores de la calma. La cita es el sábado 25 de abril a las 19 horas en el espacio cultural de Rómulo Amadey 1508. En esta nueva temporada, la Casa se abre para hacer honor a esos matices amarillos, naranjas y marrones que, aunque sutiles en nuestro paisaje formoseño, cargan de significado el final del ciclo estival. La muestra reúne un heterogéneo y talentoso grupo de artistas que, desde diversas disciplinas, dialogan con la temática de la temporada: Álvaro Brítez, Luis Benítez, y la dupla de Martín Polo & Agustina Bobadilla (fotografía), Sofía Delturco, Lagloria, Juan Esteban López, Ana Clara Martorelli, Fernando Polo, Lili Polo, Lillyan Noriega y Pablo Valdez (pintura), y Scannapieco, en grabado, y Rocío Deniz aportando desde la pintura y el arte textil.Cada obra parece responder a una misma pregunta sin formularla: ¿qué queda cuando algo se transforma? Y la respuesta no aparece como certeza, sino como atmósfera. Hay tonos cálidos que remiten a hojas caídas, texturas que evocan desgaste, imágenes que parecen suspendidas en un tiempo intermedio. El texto curatorial, firmado por Alejandro Martín Polo, propone una lectura íntima: el otoño como transición no es una carencia, sino una forma de belleza. Una pausa cargada de sentido. “Todas las mejores cosas de la vida son -desde mi perspectiva- una transición”, escribe, y en esa línea se entiende la muestra como un gesto: abrir una temporada no desde lo definitivo, sino desde lo que está en proceso.En ese cruce entre lo que termina y lo que empieza, Bienvenida al Otoño no busca explicar la estación. La deja ser. Como una transformación que no hace ruido pero cambia todo. Porque a veces lo más importante no es llegar, sino ese instante en el que todavía no somos del todo lo que vamos a ser. Es una oportunidad para encontrarnos en el refugio del arte y reflexionar sobre nuestras propias transiciones mientras habitamos un espacio que ya es referencia de la cultura autogestiva local.

Ácido Argentino, de Hermética, es un disco que no envejece y a 35 años de su aparición, ese manifiesto sonoro vuelve a ponerse en el centro de la escena con una gira que no apela a la nostalgia sino a la vigencia. Y en ese recorrido, Formosa tendrá su capítulo: el 2 de mayo La H No Murió -la emblemática banda que rinde homenaje a Hermética, histórica agrupación fundacional del heavy metal argentino- se presentará en el Club Sol de América para celebrar uno de los álbumes que marcó a toda una generación.No es un regreso más. Es, para muchos, una ceremonia. Porque Ácido Argentino -editado en 1991- no solo consolidó el sonido de Hermética: también trazó una forma de decir, de pararse frente a la realidad, de construir identidad desde los márgenes. Crudo, directo, incómodo. Platino en ventas y eterno en influencia, el disco se convirtió en una piedra angular para entender el pulso del metal en Argentina.En ese legado se inscribe La H No Murió, proyecto que reúne a nombres fundamentales de aquella historia. Con Claudio O’Connor en la voz y Tano Romano en guitarra -dos piezas originales de Hermética-, la formación se completa con Karlos Cuadrado (bajo) y Javier Rubio (batería). Juntos, no reconstruyen: reactivan. El repertorio incluye la interpretación completa del álbum, sumando clásicos que siguen funcionando como himnos de resistencia.El paso por Formosa se anticipa como un punto alto dentro de una gira que también recorrerá escenarios de Latinoamérica y Europa. Hay, además, un guiño que eleva la expectativa: la confirmación de que compartirán cartel con Iron Maiden en dos fechas en el Estadio Tomás Adolfo Ducó, un cruce que conecta generaciones y geografías bajo una misma intensidad.Las entradas anticipadas ya están disponibles en Rock House (Belgrano 602) y a través de la plataforma Paseshow, con la posibilidad de financiación. Pero más allá de la logística, lo que se activa es otra cosa: la posibilidad de volver a un sonido que no se apaga, que todavía interpela. Treinta y cinco años después, Ácido Argentino no es solo un aniversario. Es una reafirmación. Porque pasan los años, cambian las modas, pero una cosa es segura: La H no murió.